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lunes, 20 de julio de 2026

Curiosidades del Titanic, la más grande y húmeda historia de amor jamás contada

 


Titanic de 1997 fue en su momento la película mas taquillera de la historia, siendo solo superada después por… una película sobre pitufos hiperdesarrollados, también de James Cameron. Siendo un proyecto tan grande, en mas de un sentido, y una película tan larga, no es de extrañar que tenga varias escenas que no quedaran en la versión final estrenada en los cines… y también una versión alternativa del final, que es… mejor véanla ustedes mismos:

 



Y aquí las escenas borradas:

Titanic Deleted Scene - Trapped

Titanic - Deleted Scene - Brock's Dilemma / Rose Visits Third Class

Titanic - Deleted Scene - Rose's Dreams [HD]

Titanic - The Gymnasium - Deleted Scenes #07

Titanic - Deleted Scene : The Wireless Room & The Californian

Titanic - Deleted Scene - A Kiss in the Boiler Room [HD]

Titanic - Deleted Scene - Flirting with Ice [HD]

Titanic - Deleted Scene : The First SOS

Titanic - Ismay Panics - Deleted Scenes #15

Titanic - Deleted Scene : Molly Brown's Boat Rowing School

Titanic - Deleted Scene : Ida Straus Won't Leave

Titanic - Deleted Scene : Release the Hounds

Titanic - A Husband's letter - Deleted Scenes #22

Titanic - Deleted Scene - Guggenheim and Astor

Titanic- Deleted Scene ( Extended Water )

Titanic 1997. Deleted scene. Duff Gordons - we should do something.

Titanic - Deleted Scene : How Dare You

Titanic - Deleted Scene : Chinese Man Rescue












jueves, 2 de julio de 2026

Curiosidades: 10 datos que quizá no sabías sobre 'Danza con Lobos'

 

Aún no era una gran estrella hollywoodiense cuando Kevin Costner decidió arriesgar y apostar capital propio para sacar adelante un proyecto audaz: una película que reivindicaría la figura de los nativos americanos, apostaría por un mensaje tremendamente ecologista y humanista, con gran parte de los diálogos en dialecto original (y con subtítulos en pantalla), y todo ello enmarcado en un género por entonces defenestrado, el western.

 

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Aliado con sus compañeros Jim Wilson (co-productor) y Michael Blake (guionista), Costner tardó cinco años en completar 'Dances with Wolves', un film convertido en clásico instantáneo (gracias, en gran parte, a los siete Oscar que cosechó en su día) con el que la estrella se convertía, además, en un exitoso realizador.

 

Ahora que se cumplen... ¿¡¡35 años!!? años del estreno de la película, recordamos estos diez datos curiosos que quizá no conocías sobre 'Dances with Wolves':

 

1. El germen de la historia

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En 1970, un joven guionista de veinticinco años llamado Michael Blake se trasladó de su Carolina del Norte natal a Los Angeles, en busca del sueño dorado de Hollywood. Sin embargo, durante casi tres lustros no le fue la vida nada fácil al aspirante a escritor, que solo logró colocar uno de sus libretos, 'Stacy's Knights', que en 1983 se convertiría en un film menor en manos de un debutante (Jim Wilson) y con un joven desconocido como protagonista (Kevin Costner).

 

Cuando la carrera del actor empezó a despuntar, Blake, que había trabado una buena amistad con él, le pasó unas pocas páginas de un western atípico en el que estaba trabajando, una historia de tintes crepusculares y tremendamente ecologista que en cierto modo subvertía los parámetros del género, ya que los indios eran los héroes del relato y los invasores blancos no salían muy bien parados. Visto que nadie le compraba el manuscrito, Costner le animó a desarrollarlo como novela. Dicho y hecho, 'Dances with Wolves' se publicó en 1988, y Costner, ya estrella en ciernes, le encargó que lo convirtiera en guion para la que sería su ópera prima tras las cámaras, y que rodaría al año siguiente.

 

2. Los actores

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Quizá temeroso de no poder afrontar la película desde ambos lados de la cámara, Kevin Costner pensó en un principio en buscar a otro actor para que fuese el soldado que, destinado en solitario en un lugar remoto, trababa amistad con la pacífica tribu de los lakota. Tras valorar (y descartar) a Tom Berenger, quien más cerca lo tuvo fue Viggo Mortensen, que llegó a hacer una audición. Finalmente, y como sabemos, el protagonista terminaría siendo el propio Costner.

 

3. Rodaje secuencial

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El primer claquetazo tuvo lugar el 18 de julio de 1989, y el rodaje se prolongaría durante cuatro intensos meses (hasta finales de noviembre) en diversas localizaciones de Wyoming, Nebraska, Kansas y Dakota del Sur, incluyendo el famoso parque nacional de las Badlands.

 

Salvo las escenas correspondientes a la Guerra de Secesión, que se filmaron al final de la producción (con unos doscientos cincuenta actores y figurantes en escena), el rodaje de 'Dances with Wolves' se realizó casi por completo en orden secuencial, algo que, como sabemos, no es lo habitual; se planificó de esta manera de acuerdo a la climatología.

 

4. La caza del búfalo

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Para realizar la que probablemente sea la secuencia más espectacular y una de las más sobrecogedoras del film se emplearon siete cámaras, un helicóptero y casi doscientos extras, veinticuatro de ellos verdaderos nativos americanos montando sus caballos a pelo. Se contó con la colaboración de veinte ganaderos que manejaban el rebaño de búfalos más grande del país: tres mil quinientos animales al servicio de la película con los que solo se podía realizar una toma al día, ya que cada vez que salían en estampida, podían alejarse hasta quince kilómetros. Ningún búfalo sufrió daño alguno: los que caen abatidos son criaturas animatrónicas, veinticinco en total, que costaban alrededor de diez mil dólares cada una. La secuencia tardó ocho días en completarse.

 

Aunque la película contó con un coordinador y varios especialistas, Kevin Costner decidió rodar él mismo sus propias escenas de acción a caballo. Eso sí, no tuvo que comerse el hígado de ningún animal muerto: el manjar era en realidad gelatina de arándanos.

 

5. Two Socks

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Dos lobos amaestrados se alternaban para ser Two Socks en la pantalla, y respondían a los nombres de Buck y Teddy. Sin embargo, solo uno de ellos tenía "las patas blancas como la nieve"; al otro no hubo más remedio que... pintárselas.

 

Preparando la secuencia en la que Dunbar y Calcetines jugaban a perseguirse entre ellos, uno de los animales mordió accidentalmente en la pierna a su amaestrador (que durante los ensayos sustituía a Costner). Para evitar un percance parecido, el director y protagonista se procuró varios trozos de carne con los que aplacar, si era necesario, el ímpetu de su compañero de escena.

 

6. ¿Cuánto dura la peli?

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Orion Pictures, que finalmente entró en el proyecto como distribuidora, había pedido a Costner un metraje que no superara las dos horas y veinte minutos de duración. Algo que parecía casi imposible, habida cuenta de que el primer montaje rondaba las tres horas y cuarenta y cinco minutos... finalmente, después de arduas negociaciones, el actor y director logró acordar ciento ochenta minutos como tope.

 

En el año 2001, a propósito del décimo aniversario de la película, se lanzó una edición especial de tres discos en DVD (distribuida en España por Filmax) que, además de contener la versión cinematográfica, incluía un director's cut inédito de doscientos treinta y seis minutos.

 

7. 'Kevin's Gate'

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A finales de los ochenta, nadie en Hollywood apostaba el Lejano Oeste, y mucho menos por un tocho que rondara las tres horas de duración y en el que uno de cada cuatro diálogos obligaría a los espectadores a leer subtítulos. Kevin Costner era una estrella con tirón gracias a 'Los intocables de Eliot Ness' (Brian DePalma, 1987) o 'Los búfalos de Durham' (Ron Shelton, 1988), pero no dejaba de ser un director novel empeñado en sacar adelante un proyecto imposible. Finalmente, Costner financió de su propio bolsillo los dieciocho millones del presupuesto de la película, una "auténtica locura" para algunos que empezaron a bautizar este proyecto como 'Kevin's Gate', en referencia a 'Heaven's Gate' ('La puerta del cielo'), el colosal y estrepitoso fracaso de Michael Cimino que llevó a la United Artists a la bancarrota en 1980.

 

Contra todo augurio, 'Dances with Wolves' recaudaría casi ciento ochenta y cinco millones de dólares en Estados Unidos y más de doscientos cuarenta alrededor del mundo, convirtiéndose en el western más taquillero de todos los tiempos, un récord que aún ostenta. En 1991 se alzaría con siete premios Oscar de la Academia: Película, Director, Guion Adaptado, Fotografía, Música, Sonido y Montaje. Una recompensa excelente para un film de un género muerto.

 

8. El amigo de los indios

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La enorme popularidad y simpatía que lograron los nativos americanos en todo el mundo, y la corriente que surgió en defensa de sus costumbres, tradiciones y territorios gracias al éxito global del film, hizo que los sioux nombraran a Kevin Costner miembro honorario de su tribu.

 

El actor aun mantuvo durante unos años su estatus de estrella hollywoodiense, pero lo cierto y verdad es que su carrera, que algo ha remontado en los últimos tiempos, nunca ha vuelto a llegar a la cima que le supuso 'Dances with Wolves'.

 

En estos veinticinco años, solo se animó dos veces más a sentarse en la silla de director: 'Mensajero del futuro' (1997) y 'Open Range' (2003), títulos que, indirecta o directamente, le devuelven al que parece ser su género favorito. Se rumorea que, enfrentado a su examigo Kevin Reynolds, en su día tomó las riendas de la estrepitosa 'Waterworld' (1995), un dato nunca oficialmente confirmado.

 

9. La explosión del 'neo-western'

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El indiscutible éxito de 'Dances with Wolves' y, dos años después, de 'Sin perdón' (que le reportaría su primer Oscar a otro actor-director, Clint Eastwood), propició que las historias de diligencias, caballerías, nativos y ferrocarriles ambientadas en áridos y rocosos paisajes inundaran las carteleras durante buena parte de los años noventa, con desiguales resultados: 'El último mohicano' (Michael Mann, 1992), 'Un horizonte muy lejano' (Ron Howard, 1992), 'Tombstone, la leyenda de Wyatt Earp' (George P. Cosmatos, 1993), 'Gerónimo, una leyenda' (Walter Hill, 1993), 'Renegados' (Mario Van Peebles, 1993), 'Wyatt Earp' (Lawrence Kasdan, 1994), 'Cuatro mujeres y un destino' (Jonathan Kaplan, 1994), 'Leyendas de pasión' (Edward Zwick, 1994), 'Dead Man' (Jim Jarmusch, 1995), 'Rápida y mortal' (Sam Raimi, 1995) 'Wild Bill' (Walter Hill, 1995), e incluso experimentos tan demenciales como 'Wild Wild West' (Barry Sonnenfeld, 1999).

 

10. La secuela

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¿Existe una segunda parte de 'Dances with Wolves'? Pues sí, aunque, de momento, solo en negro sobre blanco. En 2004, Michael Blake sacaba a la luz 'The Holy Road', una continuación directa situada once años después de los acontecimientos narrados en su primer libro. Aunque no tuvo tanto éxito como el original, en los mentideros de Hollywood empezaron a correr rumores sobre cuándo y quién se haría cargo de la adaptación cinematográfica, una vez Kevin Costner afirmó rotundamente que no estaba interesado en el proyecto, ni como actor ni como director.

 

De nuevo se tanteó a Viggo Mortensen para el papel de John Dunbar, pero, finalmente, el proyecto nunca llegaría a cuajar, y por segunda vez el recordado Aragorn de 'El Señor de los Anillos' se quedaba con las ganas de interpretar al personaje. Ahora se especula con que 'The Holy Road' se convierta en miniserie para televisión, algo que, por el momento, solo es una idea de tantas.

lunes, 30 de marzo de 2026

7 estrellas de Hollywood y sus olvidados y vergonzosos primeros trabajos

 Es bastante común que cuando comenzamos nuestra vida profesional lo hagamos desde la base, realizando algún trabajo tonto, absurdo y hasta en algunos casos detestable. Algunas estrellas de Hollywood no son la excepción y han comenzado a ganarse algunos dólares haciendo cosas que hoy no podríamos imaginar asociadas a estos personajes. ¡Comencemos!

1. Quentin Tarantino

En este punto de su vida, Tarantino había hecho varios cortometrajes sin mayor trascendencia, lo que lo lleva a buscar algunos trabajos con los cuales mantenerse mientras tanto. Uno de ellos fue gracias a un amigo que trabajaba en un video de ejercicios del actor Dolph Lundgren y que lleva por nombre Maximum Potencial. ¿Su tarea? Limpiar los excrementos de perro de un jardín donde rodarían algunas escenas del video.

2. Jon Hamm

Uno de los problemas de Hamm durante su etapa de joven actor, es el hecho de lucir mayor de lo que era, lo cual le lleva a presentarse en audiciones donde buscaban actores para representar al padre de algún personaje que tendría su misma edad.

Durante el proceso de pasar de pequeño rol a pequeño rol, Hamm se dedica a una serie de diversas actividades: entre ellas, destaca su participación como decorador de sets para películas para adultos.


3. Jean-Claude Van Damme

 

El joven actor sabía que tenía su oportunidad de brillar: obtener el papel de villano principal en una película de Arnold Schwarzenegger era casi una garantía de éxito. El problema es que nadie le dice que su cara nunca saldría en cámara y que debería actuar usando un traje color naranja que lo haría lucir como una langosta pero que servía como base para los efectos especiales que creaban a su personaje: Depredador. La cosa no marchaba muy bien para el actor, ya que luego de algunas semanas de producción, es despedido sin llegar a aparecer en la película.

 

4. Charlize Theron

Mucho antes de verla brillar en Mad Max: Fury Road, a Theron le toca realizar papeles muy pequeños y a veces con un triste final. Su primer papel en la gran pantalla es en la película Children Of The Corn III: Urban Harvest, en la que hacía de extra. Este papel aparece acreditado como Eli’s Follower y ni siquiera llega a tener diálogos y termina muriendo empalada por el tentáculo de una planta monstruosa, en una parte del cuerpo que es mejor no mencionar en estas líneas.

Children of the corn III: Urban Harvest con Charlize Theron

5. Christian Bale

La vida de los niños actores no suele ser tan fácil y divertida como uno podría imaginar. Bale es una muestra de ellos, y es que tan solo con ver el comercial para un cereal de Pac-Man en el que más allá de actuar, le toca bailar y usar una pinta muy al estilo Miami Vice.

6. Arnold Schwarzenegger

Escuchar su nombre es pensar de forma automática en joyas automáticas como TerminatorCommandoThe Expendables y Total Recall, incluso, podríamos hasta pensar en su carrera política como Gobernador del estado de California en los Estados Unidos. Para fortuna de Arnold ninguno de nosotros recordará su debut cinematográfico en una pequeña película de ciencia ficción llamada Hércules in New York.

Es justamente una película de Hércules que él ve durante su temprana adolescencia lo que lo lleva al mundo del fisicoculturismo, lo cual quizá es lo que le atrae a hacer este papel. Como curiosidad adicional podemos contarles que el acento del Schwarzenegger era aún tan pero tan marcado que su voz tuvo que ser doblada ya que no se entendía bien lo que decía es Mr. Universo.

 Hercules en Nueva York | Te Lo Resumo Así Nomás de Bajo Presupuesto

7. Clint Eastwood

El primer papel del famoso actor y director, ícono del cine del viejo oeste norteamericano, no era con un sobrero y revolver en la cintura, sino más bien con una bata de laboratorio y un puñado de ratas en la película Revenge Of The Creature, una secuela de The Creature From The Black Lagoon y en la que Eastwood trata de brillar dándole un poco de carisma a su personaje por medio de una voz exagerada que hoy, después de tantos años, no nos suena para nada a él.

 Clint Eastwood -one of the first moments on camera=1955



sábado, 27 de septiembre de 2025

Leonardo DiCaprio estuvo a punto de llamarse “Lenny Williams” porque su nombre era muy étnico

 



New Heights, el podcast presentado por los hermanos Travis y Jason Kelce, presentó a DiCaprio y su coprotagonista Benicio del Toro para su película One Battle After Another. Mientras promocionaba la película de Paul Thomas Anderson, DiCaprio reveló que su primer agente le dijo a una edad temprana que su nombre sonaba demasiado étnico para que lo usara como su nombre en Hollywood.

"Finalmente conseguí un agente. Dijeron: 'Tu nombre es demasiado étnico'", dijo DiCaprio al dúo. "Le digo: '¿Qué quieres decir? ¿Es Leonardo DiCaprio?' Dicen: 'No, demasiado étnico. Nunca te van a contratar. Tu nuevo nombre es Lenny Williams'".

DiCaprio continuó diciendo: "Dije: '¿Qué es Lenny?' Tenía 12,13 años. Dije: '¿Qué es Lenny Williams?' "Tomamos tu segundo nombre y lo logramos. Ahora eres Lenny'". DiCaprio continuó diciendo que su padre vio su foto con su nuevo nombre, rompió la foto y se negó a dejar que su hijo cambiara su nombre. Lo que llevó a Del Toro a compartir que un agente también le dijo que se llamara Benny Del en un momento.

Si bien se siente extraño pensar que la gente le diría eso a alguien como DiCaprio, Hollywood tenía un historial de poner a tipos con nombres que suenan italianos solo en películas de la mafia. A menos que tu nombre fuera Al Pacino o Robert de Niro. Entonces, ¿tal vez ese agente pensó que limitaría a DiCaprio? Cualquiera que sea el caso, está en mal estado y no creo que "Lenny Williams" funcione tan bien como lo hace Leonardo DiCaprio.

Fuente:  Leonardo DiCaprio's ex agent told him his name sounded "too ethnic" | The Mary Sue

Nada de extraño, hay un largo historial de actores de Hollywood que cambiaron sus nombres, ya sea por uno mas bonito o mas propio de una celebridad, o, en especial en décadas pasadas, por ser “demasiado étnico”, demasiado latino, demasiado ruso. En muchos casos no es un cambio legal de nombre, solo la adopción de uno artístico, Tara Leigh Patrick cambio su nombre a Carmen Electra, que es más exótico (y aparentemente intento hacerse pasar por latina), Raquel Welch tuvo el problema inverso, ya que nació como Jo Raquel Tejada, de padre boliviano y madre estadounidense, y cambio su apellido después de casarse con un tipo llamado Welch, de quien más tarde se divorció.  Ramón Antonio Gerardo Estévez, hijo de un español y de una irlandesa, cambio su nombre a Martin Sheen, porque como “latino” no obtendría ningún rol digno. Issur Danielovitch, hijo de campesinos judíos rusos, cambio su nombre a Kirk Douglas, y protagonizo películas clásicas como Senderos de Gloria y Espartaco. Un ejemplo no hollywodense es el de Jean Reno, uno de los actores franceses más conocidos internacionalmente, quien nació como Juan Moreno y Herrera-Jiménez, de padres españoles que Vivian en Casablanca (si, la de la película) colonia francesa.




sábado, 21 de junio de 2025

Cinco mitos sobre el Titanic que en realidad fueron creados por el cine

 



La película "Titanic" dirigida por el estadounidense James Cameron, original de 1997 y reeditada en 3D en 2012, nos recuerda que lo que mucha gente sabe de los acontecimientos de 14 de abril 1912 no proviene de un hecho histórico, sino de la pantalla grande.

¿Insumergible?

En la cinta, la madre de la protagonista mira hacia el barco desde el muelle de Southampton, una ciudad del sur de Inglaterra, y señala: "Así que este es el barco que dicen que es imposible de hundir".

Pero este es quizás el más grande mito que rodea al Titanic, dice Richard Howells, profesor de sociología cultural del King's College London, una universidad con sede en la capital británica.

"No es cierto que todo el mundo pensaba eso. Es un mito retrospectivo y genera una mejor historia".

Contrario a la interpretación popular, su propietaria, la naviera White Star Line, nunca hizo una declaración contundente de que el Titanic fuera insumergible.

Y, en realidad, nadie habló de que el barco era imposible de hundir hasta después del evento, sostiene Howells.

Aunque el hundimiento apareció mucho en los noticieros del cine mudo de la época, había muy poco material de archivo de la propia nave.

Esto porque el Titanic no fue una gran noticia antes de hundirse.

Su buque gemelo, el Olympic, le robó protagonismo en su viaje inaugural desde Southampton a Nueva York en 1911. Tenía el mismo capitán que el Titanic, recorrió el mismo camino, tenían las mismas instalaciones de seguridad y el mismo número de botes salvavidas, o los mismos faltantes.

"La historia se convirtió en mito en cuestión de horas y, obviamente, a días del hundimiento", asegura el profesor del King's College.

La última canción de la banda

Una de las más bellas imágenes que ofrecen en muchas de las películas sobre el Titanic es de la banda tocando mientras el barco se hunde.

La leyenda dice que los músicos permanecieron en cubierta en un intento de mantener en alto la moral de los pasajeros, y que la última melodía que tocaron fue el himno "Más cerca, mi Dios, a ti". También que ninguno de ellos sobrevivió y se convirtieron en héroes.

Simon McCallum, curador del archivo del British Film Institute, dice que los testimonios relatan que la banda tocó en la cubierta, pero hay un debate acerca de cuál fue la canción final.

"El pasajero que recordó ese himno en particular fue lo suficientemente afortunado para salir mucho tiempo antes de que el trasatlántico se hundiera. En realidad, nunca sabremos si los siete músicos murieron, pero es una licencia poética", dice McCallum.

Paul Louden-Brown, miembro de la Sociedad Histórica del Titanic que trabajó como consultor en la película de Cameron, dice que la escena de los músicos en la película de 1958 A Night To Remember era tan maravillosa que el director decidió repetirla.

La muerte del capitán Smith

Poco se sabe sobre las últimas horas del capitán Edward J. Smith, pero se le recuerda como el héroe, a pesar de aparentemente no haber atendido las advertencias y no frenar la nave cuando se le informó que había hielo en su camino.

"Él sabía cuántos pasajeros había en el barco y el número de espacios en los botes salvavidas y permitió que salieran parcialmente llenos", dice Louden-Brown, a quien no le gustan las representaciones excesivamente benévolas del capitán en el cine.

Se dice que el primer bote salvavidas, con una capacidad de 65 personas, contenía tan sólo 27 personas. Muchos de estos barcos salvavidas se fueron medio vacíos y no regresaron a recoger a los sobrevivientes.

"Smith es el responsable último de todas las fallas de la estructura de mando a bordo. Nadie más puede tener la culpa", añade Louden-Brown.

El capitán Smith no emitió una orden general de "abandonar el barco", lo que significa que muchos pasajeros no se dieron cuenta de que el Titanic estaba en peligro inminente. No había ningún plan para una evacuación ordenada, ni se hicieron simulacros de emergencia con antelación.

John Graves, del Museo Nacional Marítimo de Londres, está de acuerdo en que en esa fatídica noche "Smith parece haberse desvanecido en el éter". Él piensa que el capitán puede haberse traumatizado cuando se dio cuenta que no había botes salvavidas suficientes.

 


El empresario malvado

Las historias que rodean a J. Bruce Ismay, el presidente de la compañía que construyó el Titanic, son muchas pero casi todas se centran en las denuncias acerca de su supuesta cobardía al escapar del barco que se hundía, mientras que los demás pasajeros, especialmente mujeres y niños, fueron abandonados a su suerte.

Todos los guiones retratan a Ismay como un cobarde que intimidó al capitán para que condujera más rápido el barco y después salvó su propio pellejo al saltar al primer lugar disponible en un bote salvavidas.

"Cada cineasta ha encontrado que la traición es demasiado deliciosa para no incorporarla en su película", dice Paul Louden-Brown.

"Si nos remontamos adonde comenzó todo, llegamos hasta William Randolp Hearst, el magnate de los diarios en Estados Unidos. Él e Ismay habían roto relaciones cuando el segundo no cooperó con la prensa en relación a un accidente en otro barco de la White Star Line".

Ismay fue casi universalmente condenado en EE.UU. y Hearst orquestó una campaña contra él, tildándolo de "el bruto". Publicaron la lista de todos aquellos que murieron y en la columna de los sobrevivientes se leía un sólo nombre: Ismay.

Algunos sobrevivientes dijeron que subió al primer bote salvavidas, otros que pidió a su propia tripulación que se lo llevaran y el barbero del barco contó fue el propio oficial jefe el que lo puso en un barco.

Sin embargo, Lord Mersey, quien dirigió la investigación británica sobre el hundimiento en 1912, llegó a la conclusión de que Ismay había ayudado a muchos otros pasajeros antes de encontrar un lugar para sí mismo en el último bote salvavidas que salió de estribor.

"Si no hubiera saltado en él simplemente se hubiera añadido una vida más a las que se perdieron", dijo.

Louden-Brown cree que retratar a Ismay como el villano es injusto y así lo planteó cuando trabajaba como asesor de Cameron.

"Una cosa que me dijeron fue 'esto es lo que el público espera ver'", asegura.

Ismay nunca superó la vergüenza de saltar a un bote salvavidas y se retiró de la White Star Line en 1913.

Frances Wilson, autor de "Cómo sobrevivir al Titanic: El hundimiento del J. Bruce Ismay", dice que siente simpatía por él y lo ve como "un hombre común atrapado en circunstancias extraordinarias".

"Su desconcertante comportamiento en el Titanic se debió a la confusión en torno a su condición: ¿era un pasajero normal, como afirmaba, o como las investigaciones sugieren un "súper capitán"? Las personas a bordo actúan de acuerdo con su rango e Ismay no tenía ni idea de cual era el suyo".

Los pasajeros de tercera

Una de las escenas más emotivas de la película de Cameron retrata a los pasajeros de tercera clase retenidos bajo cubierta contra su voluntad, sin que se les permitiese llegar a los botes salvavidas.

 


Richard Howells argumenta que no existe ninguna evidencia histórica para apoyar esto.

Existían rejas que separaban a los pasajeros de tercera clase de los demás. Pero esto no era en previsión de un naufragio, sino en cumplimiento de las leyes de inmigración de Estados Unidos y la temida propagación de enfermedades infecciosas.

Los pasajeros de tercera clase incluían armenios, chinos, holandeses, italianos, rusos, escandinavos, sirios y británicos, quienes embarcaron en busca de una nueva vida en EE.UU.

"En virtud de la legislación estadounidense vigente, los inmigrantes tenían que ser mantenidos por separado. De manera que, antes de que atracara en Manhattan, el Titanic habría tenido que detenerse en la isla de Ellis, para que estos fueran sometidos a controles sanitarios y a los controles de inmigración", dice Howell.

Cada clase tenía acceso a su propia cubierta y a botes salvavidas asignados.

Aunque el factor crucial es que en la sección misma de tercera clase del barco no fueron almacenados botes salvavidas.

Los pasajeros de tercera clase tenían que encontrar su camino a través de un laberinto de pasillos y escaleras para llegar a la cubierta del barco. Los pasajeros de primera y segunda clase tenían más probabilidades de llegar a los botes salvavidas situados en la cubierta del barco.

El informe que se elaboró tras la investigación británica reveló que el Titanic estaba en conformidad con la ley de inmigración estadounidense en vigor en el momento y que las acusaciones de que los pasajeros de tercera clase fueron encerrados bajo cubierta eran falsas.

Mersey señaló que muchos pasajeros de tercera clase fueron "reacios" a abandonar el barco y a "desprenderse de su equipaje" y que tuvieron dificultades para llegar a los botes salvavidas.

Ninguna de las pruebas presentadas señaló alguna mala intención de obstruir a los pasajeros de tercera clase, sino más bien un descuido provocado por la obediencia ciega a las normas, aunque los resultados siguen siendo fatales.

Cuando los botes salvavidas finalmente se bajaron, los oficiales dieron la orden de que "las mujeres y los niños" debían ir primero. Así, se registró que 115 hombres de primera clase y 147 de segunda dieron un paso atrás para hacer espacio y como resultado murieron.

Ningún pasajero de tercera clase ofreció testimonio en la investigación británica, pero estuvieron representados por un abogado, W. D. Harbinson.

Éste llegó a la conclusión de que "no se dio ninguna evidencia en el curso de este caso para fundamentar una acusación de que se realizara algún intento para contener a los pasajeros de tercera clase".

Sin embargo, la clase hizo una diferencia: menos de un tercio de los pasajeros de tercera sobrevivieron.

Aunque las mujeres y los niños lo hicieron en mayor número en todas las clases, ya que se les dio prioridad en los botes salvavidas.

Titanic en la pantalla grande

Saved from the Titanic (EE.UU., 1912). Protagonizada por la sobreviviente Dorothy Gibson, supuestamente con el mismo vestido con el que había sido rescatada.

Atlantic (Reino Unido, 1929). La primera película sonora realizada sobre el desastre. No se refiere explícitamente al Titanic. La White Star Line lo prohibió.

Titanic(Alemania, 1943). El conocido como el "Titanic nazi", fue encargado por Joseph Goebbels, el ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich entre 1933 y 1945. En la película se asegura que el trasatlántico trató de establecer un récord de velocidad para manipular el precio de las acciones de la White Star Line. Se ignora la advertencia de un oficial alemán.

Titanic(EE.UU., 1953). Fue la primera historia de Hollywood sobre el barco. Su trama se centra en una pareja en el viaje inaugural del Titanic.


Fuente: 5 mitos que el cine ha creado sobre el Titanic, el legendario barco que se hundió en su viaje inaugural - BBC News Mundo

lunes, 2 de junio de 2025

Las malas criticas que recibio Star Wars en su debut en 1977

 



Star Wars es una de las franquicias de ciencia-ficción más populares de las ultimas décadas, y sigue siendo muy popular, a pesar de lo que youtubers clickbaiteros de mierda digan por Internet, ya saben, aquellos que repiten como loros que Star Wars esta muerto y requetemuerto, porque repetir eso atrae mas visitas que presentar buenos argumentos y análisis profundos.

Pero lo cierto es que, aunque la trilogía original fue muy bien recibida por el público y la crítica, una recepción positiva no fue unánime, aunque esto era esperable. Y a continuación algunas de las criticas menos positivas -varias de las cuales coincidían en encontrar la película algo o muy infantil y superficial- sobre el Episodio IV: Una Nueva esperanza.

De Pauline Keal (una crítica de cine muy conocida), en New Yorker:

Star Wars es como conseguir una caja de Cracker Jack, que es todo premios. Esta es la propia película del escritor y director George Lucas, sujeta a ninguna interferencia comercial, pero es una película que no está interesada en absoluto en nada que no conecte con la audiencia masiva. No hay respiro en la imagen, no hay lirismo; El único intento de belleza está en la doble puesta de sol. Es agradable en sus propios términos, pero también es agotador: como llevar a un grupo de niños al circo. Una hora después, los niños dicen que están listos para verlo de nuevo; Esto se debe a que es un conjunto de piezas de repuesto, no tiene agarre emocional(…)

(…) Es una epopeya sin sueño. Pero es probablemente la ausencia de asombro lo que explica el gran éxito especial de la película. La emoción de quienes la llaman la película del año va mucho más allá de la nostalgia a la sensación de que ahora es el momento de volver a la infancia.

John Simon en la revista New York Magazine:

Despoja a Star Wars de sus imágenes a menudo impactantes y su jerga científica de alto nivel, y obtienes una historia, personajes y diálogos de una banalidad abrumadora, sin siquiera un elenco de 'futuro' (…) Tan emocionante como los informes meteorológicos del año pasado" "caracterización trillada y verborrea mezquina" (…) "Aun así, Star Wars funcionará muy bien para aquellos lo suficientemente afortunados como para ser niños o lo suficientemente desafortunados como para nunca haber crecido".

Stanley Kauffmann en The New Republic:

La única forma en que Star Wars podría haber sido interesante fue a través de su imaginación visual y efectos especiales. Ambas cosas no son excepcionales... Esta imagen fue hecha para aquellos (particularmente los hombres) que llevan dentro de ellos un santuario portátil de su adolescencia, un cáliz de un Ser que era Mejor Entonces, antes de que los asuntos del mundo o, de cualquier manera compleja, el sexo se entrometieran.

Derek Malcolm en The Guardian:

"Visto desapasionadamente, y por supuesto eso es desesperadamente difícil en este momento, Star Wars no es una mejora del trabajo anterior del Sr. Lucas, excepto en términos de taquilla".

"Es una diversión enorme y estimulante para aquellos que están preparados para acomodarse en sus asientos y dejar que todo los inunde" (…) Los completamente descerebrados podían ir a verlo con placer. Pero juega suficientes juegos para satisfacer a los más sofisticados.

Russell Davies, en Sunday Observer:

El hombre al que no le gusta Star Wars se pone instantáneamente en el centro de una caricatura de H.M. Bateman. A su alrededor hay manos levantadas, rostros conmocionados y gritos de '¡Vergüenza!' Así que será mejor que mantenga, como dicen, un perfil bajo en este momento.

No es que no me guste mucho Star Wars. Mi queja al respecto es que no hay mucho sobre lo que tener una opinión. (…) Pero por lo demás, creo que será mejor dejar el tema a los millones de niños que pronto serán expertos en ello. Este es un éxito de preventa, pero también, para mi gusto, uno predigerido.

En el Monthly Film Bulletin del British Film Institute, Richard Combs dice:

Después de haberse elevado a la cima de la encuesta de taquilla de todos los tiempos, Star Wars ha logrado una hazaña de contabilidad espiritual más impresionante que todas las connotaciones religiosas de "la Fuerza" dentro de la película. Se ha transformado de una mera película en un fenómeno, que es a la vez una ganancia y una pérdida, ya que se vuelve casi imposible reaccionar a la película con algo más que una aprobación asombrada o un rechazo brusco.

 "interesante principalmente como un ejercicio de programación" (…) "Star Wars está monumentalmente vacía, basada no en una sola idea, sino en una gran cantidad de presunciones".

"Puede ser la primera película que atraiga a los cinéfilos que nunca soñarían con llamarse así, basándose como lo hace en una gran cantidad de tipos de películas populares".

“Sin las simples convicciones espirituales de sus predecesores, o las especulaciones filosóficas de sus contemporáneos, Lucas ha dejado a su audiencia a la intemperie, con solo tomas de efectos especiales administradas regularmente para mantenerlos calientes.”

En la revista trimestral Sight and Sound, Jonathan Rosenbaum dice:

"Actualización bien elaborada y deshumanizada de Flash Gordon con mejores valores de producción, sin matices irónicos y una batería de efectos especiales".

“Al igual que los selectores de canales de televisión a control remoto con los que a los niños les encanta jugar, y los juegos de disparos mecánicos que se encuentran en las salas de juegos, Star Wars ofrece placeres solitarios y narcisistas más que mitos comunitarios o románticos para mantener a su audiencia animando.”


Fuente: Episodio Nada: Star Wars en la década de 1970: Sin impresiones: Las críticas negativas de Star Wars en 1977


martes, 26 de noviembre de 2024

Encuentran en Chile película del legendario John Ford que estuvo perdida más de 100 años

 

Hay mucho material audiovisual que se ha perdido con el paso de los años, no solamente películas, también programas de televisión -los episodios perdidos de Dr. Who son un ejemplo famoso- mucho de lo cual es irrecuperable, obras enteras de las que solo quedan registros escritos como criticas o unos pocos minutos de metraje y generalmente en mal estado, por diversas razones: no existía una cultura de preservar la historia -como cuando las películas mudas fueron desechadas para hacer más espacio cuando llegaron las películas sonoras- o accidentes, como incendios donde el nitrato con el que se hacían las películas se quemaba demasiado bien, y a veces hay casos como este:






Una historia increíble, literalmente cinematográfica, tuvo como protagonistas al legendario cineasta John Ford, a una película centenaria y a un almacén perdido de Providencia (Santiago de Chile).

Se trata del filme “The Scarlet Drop”, western protagonizado por Harry Carey que fue encontrado en una bodega capitalina un día antes de ser demolida. La cinta, estuvo perdida durante más de 100 años.

La historia la detalla el matutino inglés The National: “Estrenada en 1918, The Scarlet Drop fue uno de los 26 westerns que Ford filmó con el actor Harry Carey, la colaboración más prolífica de la legendaria carrera del director seis veces ganador del Oscar”.

La publicación británica recuerda el otrora boom comercial del filme, descrito en su momento como el “éxito supremo de la carrera de Harry Carey”. A pesar de la pompa, tras su estreno, las copias se perdieron. Y en eso pasó un siglo.

A pesar de que se conservaban en el Archivo Getty, tal como informa The National, casi 30 minutos de metraje de la película, ya no había expectativas sobre encontrar un corte completo.


“La película fue redescubierta por el dueño de una bodega en Santiago, un día antes de que fuera demolida. Mientras revisaba el contenido del edificio, el propietario descubrió un tesoro de películas que alguna vez perteneció a un coleccionista local, y que permaneció intacto durante 40 años después de su muerte”, añade el periódico.

John Ford recobrado 106 años después


Tras dar cuenta de este tesoro fílmico, el nuevo dueño tomó contacto con Jaime Córdova, académico de la Universidad de Viña del Mar y director del Festival de Cine Recuperado de Valparaíso, quien se hizo cargo de la gesta.

“La película técnicamente no está restaurada, sino que fue digitalizada en 4K en los laboratorios de Cineteca Nacional, en Ñuñoa (Santiago), y yo tuve a cargo la limpieza física, material, de la película, y la reparación de empalmes y de perforaciones que estaban rotas”, comentó Córdova al portal Cinentransit.

















“La película estaba muy dañada, lo cual indica que fue muy popular en su época, la exhibieron mucho. Y la perforación estaba bastante débil, forzada, rota; había centímetros en los cuales no había perforación, y yo sospecho que muchos de los intertítulos de la película los recortaron o bien los sacaron completamente porque se rompieron. ¿Por qué los intertítulos? Porque estaban fabricados en material de menor calidad que de la imagen. Por lo tanto, en la película de nitrato, muchas veces es lo primero que se encoge y, al proyectarlo encogido, la perforación se rompe”, agregó.

En el mismo artículo, Córdoba detalla cómo llegó a la cinta, y al contingente completo encontrado en Providencia: “(Él dueño]) se contactó con alguien en Santiago, esa persona contactó con una persona que me conocía, me dio el teléfono, fui a hablar con ella y ahí pudimos rescatarlo porque, como nadie se había preocupado por el material, él tenía que botar todo a la basura”.

La versión digitalizada de “The Scarlet Drop” debutó el 30 de septiembre en la inauguración del 28º Festival de Cine Recobrado, celebrada en el Teatro Municipal de Valparaíso.
De acuerdo al análisis de Córdova, la película aún necesita una restauración. “Se estabilizó la imagen, porque estaba encogida y se movía. Lo único que se hizo fue eso, nada más. A mí no me gusta intervenir las películas. Si la copia hubiera estado mojada, le faltaran fragmentos de imagen… No tenía hidrólisis, que es la enfermedad del nitrato, cuando se empieza a desprender la emulsión”, reflexionó.

De acuerdo al artículo de Cinentransit, el rescate también supone un hito histórico para la cinematografía estadounidense. “Se trata también de la primera aparición no solo de Lincoln sino de la Guerra de Secesión en el cine de su autor y, como siempre salvo en Misión de audaces (The Horse Soldiers, 1959) y The Civil War, Ford rodea el acontecimiento, más interesado por sus reverberaciones que sus manifestaciones directas”, acota el texto firmado por Rubén García López.

El hallazgo, sin embargo, incluso obviando el último dato, es un suceso en sí mismo. John Ford es considerado uno de los cineastas más importantes de la historia del cine, grupo selecto donde habitan nombres como Orson Welles, Stanley Kubrick, Andrei Tarkovsky, Alfred Hitchcock e Ingmar Bergman, entre otros.

martes, 27 de agosto de 2024

Boicots, atentados y vetos: los 10 estrenos más escandalosos en el cine

 El silencio de los corderos

La película más exitosa de 1991 estuvo en el centro de la polémica por el personaje del asesino Buffalo Bill al que numerosas asociaciones en favor de los derechos de los homosexuales consideraron una prueba de la homofobia de Hollywood. Las protestas llegaron a la alfombra roja de los Oscars donde incluso se produjeron detenciones de activistas. Aunque eso no impidió que acabase haciéndose con el premio en las cinco categorías principales y siendo la gran triunfadora del año.

 

El código Da Vinci

La versión cinematográfica del exitoso best seller de Dan Brown se vio envuelta no en una polémica sino en dos. Diversos grupos católicos la tacharon de blasfema y la %%Organización Nacional de Albinismo e Hipopigmentación%% {.par} protestó por el hecho de que uno de los personajes más negativos de la películas fuese albino.

La pasión de Cristo

La película de Mel Gibson fue considerada por la comunidad judia como antisemita y algunos de sus representantes como el rabino Eugenio Korn consideraron que representaba un atentado contra las relaciones entre judíos y cristianos e incluso pidieron su boicot.

 

La vida de Brian

A pesar de que la comedia de Monty Phyton no contaba realmente la vida de Jesús fue considerada blasfema y prohibida en Noruega, en Irlanda y en varias ciudades del Reino Unido, además de enfrentarse a boicots en EE UU. donde la acusaban de burlarse del sufrimiento de Jesús.